Los oficios artísticos

Durante la Edad Media, cuando ser artista tenía un carácter mucho más artesanal que en la actualidad, la producción artística solía clasificarse según sus oficios; había orfebres carpinteros, tintoreros, grabadores, pintores, ceramistas, broncistas, etc.

Durante ese período el artista pasa de la dependencia del taller gremial medieval hacia una formación con fundamentos intelectuales que traerá consigo la llegada de las escuelas de arte y de las academias. Se culpó a la llegada del Renacimiento de esta escisión entre el oficio y el arte, del desplazamiento entre lo puramente manual a lo intelectual.

-Es entonces cuando el arte pasa a considerarse como una ciencia suprema digna de figurar entre las grandes disciplinas clásicas (filosofía, teología, arquitectura...), y se unifica arte, ciencia y técnica bajo un concepto supremo.-

Luis XIV de Francia visita el taller de la familia de tintoreros
Gobelin (Museo del Louvre)

Alberti en sus escritos de arquitectura ya hizo mención de la diferenciación entre las tres grandes disciplinas de las bellas artes: arquitectura, escultura y pintura. Estas serían consideradas artes mayores, mientras que el resto de actividades, como grabado, dibujo, cerámica o acuarela serían llamadas artes menores.

Pero a pesar del aparente triunfo del intelecto sobre el oficio, el artista renacentista también tuvo que formarse y aprender las técnicas pictóricas en los talleres de los grandes maestros. Acudía a ellos para aprender el oficio, la preparación de los colores, las normas de la perspectiva, los sistemas compositivos y el tratamiento e imprimación del soporte,

Así hablaba Cennino Cennini, en Libro de arte, de lo que tenía que aprender un joven artista del s. XIV:

"Acudir al taller de un maestro que conozca todos los elementos inherentes a nuestro arte, ocuparse de moler los colores, aprender a moler las colas y el yeso, hacer relieves, dorar y granear durante un período de seis años. Luego practicar la técnica de colorear, aplicar mordientes, aprender a trabajar sobre muro durante otros seis años, siempre dibujando, sin desmayar nunca, ni en días de fiesta ni en días laborales, y así, familiarizándose con el uso, se adquirirá una buena práctica."

El Taller del artista (Museo del Louvre) de Gustave Courbet.
El artista, rodeado de personajes intelectuales, en representación de esa ansia de hermanar la literatura, la filosofía y la música con el arte.

Todo artista debe también ser un buen artesano, debe aprender a utilizar los materiales. Un buen método es a la antigua usanza, elaborar nuestros propios colores y nuestras propias mezclas tal cual como lo hacían en la Edad Media, eso sería a partir de los pigmentos en polvo y aglutinantes. Trabajar así, de manera artesanal, nos permitirá estudiar su composición y comprender cómo reaccionan y de qué manera responden al mezclarse.

El círculo cromático

Uno de los referentes más importantes para el artista es el círculo cromático, esquema basado en los tres colores primarios y sus derivados. Recuerdo que cuando nos pedían este tipo de trabajos en la escuela muy pocos querían hacerlo, a mí me encantaba, en mi mesa y escuchando música me lo pasaba los fines de semana terminando estos ejercicios para la semana entrante.

Para los que recién empiezan en la pintura les aconsejo que realicen el ejercicio de elaborar su propio círculo cromático.

Dividan un círculo en doce porciones.
Tomen sólo tres colores a la acuarela:

• azul claro

• carmín

• amarillo

A partir de los colores primarios que situarán formando un triángulo, traten de obtener los secundarios mezclando los primarios por parejas y los terciarios mezclando un primario con un secundario. Si no se entiende chilflen.

Aquí les muestro un círculo cromático con los tres pilares básicos: los colores primarios [P] que mezclados por parejas dan los colores secundarios [S], que a su vez, mezclados por parejas con los primarios dan los colores terciarios [T].

Este círculo no es otra cosa que una ordenación de los colores.
Y como verán los colores primarios se comportan como los tres ejes fundamentales necesarios para el equilibrio de los colores restantes.

Desde mediados del siglo pasado los tratamientos de pintura ya incorporan las ruedas de color o círculos cromáticos como referencia teórica para los artistas.

Espero que les sirva, otro dato más.

Gabriel Callico -Tatuador

Callico es uruguayo, aparte de haber sido uno de los pioneros del tatuaje en Uruguay (antes de la tv por cable, internet, etc) es un artista que quiso demostrar que no sólo se hacían tatuajes los drogadictos ni los presos, que si tenías deseos de tener un tatuaje en tu cuerpo nadie debía discriminarte por ello. Era tu elección.
Gabriel Callico recorrió algunas partes del mundo mostrando su arte.


"La lucha nunca fue fácil en Uruguay ya que las cabezas se fugan constantemente y nuestra cultura pierde diversidad, de mi generación de tatuadores sólo quedamos dos o tres. Es tentador llevar este oficio a otras tierras donde uno es mejor pago y a veces reconocido..."

Vean este video que él preparó haciendo un retrato de Carlos Gardel.

Galería, pinturas, body piercing, cuidados del tatuaje, videos.

Pintar como hobby

Sir Winston Churchill, el famoso político inglés, al dejar por allá en 1995 el Almirantazgo ya que había quedado como pescado fuera del mar, escribió un libro sobre pintura: Las pinturas como pasatiempo.

“Para ser realmente feliz y estar realmente sano es preciso tener dos o tres auténticos hobbys absolutamente diferentes del quehacer diario.

“El primero de estos hobbies puede ser la lectura, pero lo mejor que usted puede hacer en sus ratos libres es pintar.”

Pintar para Churchill, según Tristán la Rosa, fue el quehacer más importante de cuantos, aparte la política, ocuparon su existencia.
Fue entonces cuando, al ver una caja de pinturas a la acuarela de sus hijos, pensó que podía pintar. Y así lo hizo, con verdadero éxito, hasta el final de sus días.

Pintar en sus ratos libres es lo que les recomiendo. Si pintan seguido van a ver muchos más cambios, van a agilizar más rápido el movimiento del pincel, lápiz o la herramienta que usen. No tiren sus dibujos, úsenlos para ver después de un tiempo de qué manera fueron progresando, mis profesores no dejaban que jamás arrojásemos trabajos nuestros a la basura.

Todas las mañanas Van Gogh salía a las seis de la mañana de su casa amarilla, en Arles, cargado hasta el tope con el caballete, la caja de pinturas y el taburete. Y sin descanso erraba por los alrededores buscando los motivos que satisfacieran su afán creador. “Es la emoción de estar creando lo que guía mi mano, de trabajar sin notar que estás trabajando. Y cuando a veces vez que las pinceladas surgen y se enlazan como las palabras en una conversación… entonces la emoción es tan fuerte que no se puede comparar con nada.”

Pinten en sus ratos libres, siempre que puedan, en algún momento las pinceladas enlazarán unas con otras y sentirán esa emoción incomparable, difícil de explicar, pinten. Cuando se dejen llevar por la pasión a lo que están haciendo, lo que van viendo que cambia de matices delante de sus ojos, su mano pintará sola y ustedes se olvidarán de todo lo que suceda alrededor.

Antonio Capel

Nacido en Marruecos en 1960 y desde 1961 reside en Palencia-España, o sea... que es español.
Un gran artista, sino compruébenlo por ustedes mismos, no sé si ya lo conocerán o jamás supieron de él eso no importa, lo que vale es disfrutar su obras, les juro que no me canso de observar sus trabajos que son magníficos, impresionantes, inigualables.

Un genio como pocos, me impresiona.

Su biografía

Antonio Capel

XI Bienal de Arte Sacro

Me llegó por primera vez por e-mail, cada año recibo en casa una carta de ellos, les comento que se viene la Bienal de Arte Sacro en Buenos Aires y que puede participar todo aquel que pinte. (como todos los años) miles de artistas de cualquier lado del planeta (mandando su obra obviamente por avión) se anotan y logran que este evento sea muy especial.

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Cada vez más artistas se suman a esta Bienal, serán premiados las mejores obras y el premio será una suma de dinero... (lean las bases)

Dejo los links, anótense y mucha suerte.

Bienal de Arte Sacro 2008

Bases y condiciones

Les puedo adelantar que tienen hasta septiembre para presentar la obra.

Lograr un buen retrato

Bueno volviendo a este sitio, en este caso con algo que encontré en uno de mis libros de pintura.

Un buen retrato debe ofrecer un parecido aproximado con el modelo, y dicha semblanza viene determinada por la construcción matemática de la cabeza, la exageración de los rasgos que más caracterizan la fisonomía del retratado, la “pose” o actitud del modelo y los rasgos psicológicos que transmite el personaje.

Pero quién mejor que Jean Auguste Dominique Ingres para orientarnos. Este famoso retratista francés aconsejaba a sus discípulos para lograr un buen retrato:

v En todo lo que vemos hay una caricatura que es preciso captar. El pintor debe ser fisonomista, buscar la caricatura.

v Sólo se puede ser un buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

v Tomar el carácter individual de su modelo: de un hombre fuerte no hagan sólo su parecido: tomen bien el carácter hercúleo.

v Fíjense en la pose de la cabeza y del cuerpo; caractericen la persona que quieren pintar. El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudien la natural fisonomía de su modelo; pónganlo luego en consecuencia, dándole la expresión conveniente.

v Antes de empezar, se ha de interrogar al modelo.

v No hay dos personas que se parezcan; den a cada uno su carácter individual, hasta en los menores detalles.

v El croquis es el arte de agarrar el carácter, la línea dominante, característica, de un objeto, su espíritu.

v Es necesario estudiar y observar las poses habituales en cada edad.

v En los movimientos hay siempre un perfil que importa más que el otro.

v Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en un mismo tiempo y hasta el último momento armonizar y tenerlo todo justo.

v Se pinta como se dibuja.

v Ataquen lo negro furiosamente, pero desarrollen, desarrollen.

v No es por lo blanco que lo vemos todo antes, sino por las medias tintas y las fuertes sombras.

v Los detalles son unos habladores que es necesario meter en cintura.

v Observen bien los límites de las sombras, de la media tinta y de los claros. Eviten del exceso de reflejos que podrían romper la masa.

v Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros posibles.

v Se ha de difundir la salud en la forma: perfeccionar desde un principio, construir, buscar, juntar por las líneas, comparar las grandes distancias, los grandes trazos, armonizar.

v Ver el progreso del arte: Miguel Angel ante todo; luego Rafael, que debe toda su grandeza a Miguel Angel. Los dos llegaron a lo sublime del pensamiento, ¿y qué camino tomaron para llegar? El ser humildes, el de estar sometidos, el de copiarlo todo tontamente.

De todos modos, para obtener bueno resultados en el arte del retrato es imprescindible haber mantenido una práctica continuada en él.
Esto requiere horas y horas de estudio y experimentación. Pongan en práctica estos consejos por más que al principio los resultados no sean satisfactorios.

Al poco tiempo comprobarán que sus dibujos van mejorando progresivamente hasta acercarse cada vez más a los rasgos verdaderos del personaje a retratar.

Paciencia.

Es otra recomendación...