El Óleo, historia y seducción

Es uno de los procedimientos pictóricos más extendidos, obviamente el preferido por los grandes maestros de la historia. Por ese motivo mucha gente elige este medio como campo de pruebas. Se emplea "técnica al óleo" para denominar los procedimientos realizados en Europa a partir de la Edad Media, donde se convirtieron en el símbolo de la pintura. Muchas décadas después dichas técnicas tomaron el relevo de las pinturas a la témpera, trayendo consigo a un nuevo soporte: el lienzo que vendría y vino a sustituir a las tablas de madera preparada que se utilizaban para aquel entonces. Se dice por ahí que la técnica al óleo nació en Flandes a principios del siglo XV. 

También se dice que Van Eyck fue el inventor de la susodicha técnica. Aunque también se afirma que se utilizaba en algunos talleres y que más preciso por Doménico Veneziano.

 Autorretrato de Van Eyck

 

Artnatomía

Esto es impresionante, a mi me está sirviendo bastante para cuando me cuesta hacer un gesto, a veces lograr que salga natural una gesticulación precisa se me hace algo difícil.

Esta utilidad fue creada por Victoria Contreras Flores para el aprendizaje o la enseñanza en el estudio de las Bellas Artes, una herramienta rápida mediante recursos digitales (animación asistida e interactividad) que brinda mayor facilidad a la hora de crear un rostro.

Contiene controles de opacidad, para visualizar por medio de diferentes grados de transparencia tanto en la calavera como en los músculos de la cara.

Van a descubrir que hay muchos gestos para copiar al papel, pueden crear la expresión que deseen, tristeza, miedo, sonrisa, etc. No se lo pierdan, pueden descargar el programa, saber cómo, por quién y para qué fue creado.
Vale la pena.


ARTNATOMIA
Base Anatómica del Gesto Facial
Autora: Victoria Contreras Flores

Las flores en el Arte Oriental

La pintura de flores, pájaros y animales tiene su esplendor en China durante el llamado período Song, entre los siglos XI y XIII, al ser reconocida la condición social del artista, que pasa de ser visto como un artesano a ser considerado un pintor "cultivado".

Los primeros florales chinos ilustraron textos poéticos, que más tarde se transformarían en una disciplina artística, un ejercicio estético destinado a captar el espíritu de las flores.
Nació entonces, la expresión de una cultura espiritual.

Obra de Matsumura Keibun (Japón)

Para lograr estos deseos espirituales había que pasar por un rígido aprendizaje para adiestrar los movimientos del pincel, imprescindible para darle a las obras la sensación de vida, crecimiento y movimiento. Las flores no siempre aparecían solas, las realizaban acompañadas de pájaros o insectos.

Obra de Chao Chi (China)

Características:

• Simplicidad de las composiciones
• Aunsencia de artificios y elementos superfluos
• Conocimientos de los efectos de colores que crea el pincel

Donde mejor se aprecia la habilidad de los pintores orientales para sugerir forma y color es en las pinturas monocromas con tinta china.
El arte de la pintura con tinta, que en Japón se llama Sumi, depende sí o sí de los efectos de los tonos y de la precisión caligráfica con el pincel.

Obra de Tani Buncho (Japón)

Importante destacar que los artistas orientales fueron capaces de darles a las flores un gran sentido de elegancia, simplicidad, frescura y delicadeza. Una pintura dominada de la caligrafía y la mancha lejos de la naturalidad de las pinturas europeas.

En Francia le dicen arte digital chinesco

Entrando a este link pueden jugar con las imágenes, hagan click cuando quieran que se termine una imagen para pasar a otra y suban el volumen.

Los oficios artísticos

Durante la Edad Media, cuando ser artista tenía un carácter mucho más artesanal que en la actualidad, la producción artística solía clasificarse según sus oficios; había orfebres carpinteros, tintoreros, grabadores, pintores, ceramistas, broncistas, etc.

Durante ese período el artista pasa de la dependencia del taller gremial medieval hacia una formación con fundamentos intelectuales que traerá consigo la llegada de las escuelas de arte y de las academias. Se culpó a la llegada del Renacimiento de esta escisión entre el oficio y el arte, del desplazamiento entre lo puramente manual a lo intelectual.

-Es entonces cuando el arte pasa a considerarse como una ciencia suprema digna de figurar entre las grandes disciplinas clásicas (filosofía, teología, arquitectura...), y se unifica arte, ciencia y técnica bajo un concepto supremo.-

Luis XIV de Francia visita el taller de la familia de tintoreros
Gobelin (Museo del Louvre)

Alberti en sus escritos de arquitectura ya hizo mención de la diferenciación entre las tres grandes disciplinas de las bellas artes: arquitectura, escultura y pintura. Estas serían consideradas artes mayores, mientras que el resto de actividades, como grabado, dibujo, cerámica o acuarela serían llamadas artes menores.

Pero a pesar del aparente triunfo del intelecto sobre el oficio, el artista renacentista también tuvo que formarse y aprender las técnicas pictóricas en los talleres de los grandes maestros. Acudía a ellos para aprender el oficio, la preparación de los colores, las normas de la perspectiva, los sistemas compositivos y el tratamiento e imprimación del soporte,

Así hablaba Cennino Cennini, en Libro de arte, de lo que tenía que aprender un joven artista del s. XIV:

"Acudir al taller de un maestro que conozca todos los elementos inherentes a nuestro arte, ocuparse de moler los colores, aprender a moler las colas y el yeso, hacer relieves, dorar y granear durante un período de seis años. Luego practicar la técnica de colorear, aplicar mordientes, aprender a trabajar sobre muro durante otros seis años, siempre dibujando, sin desmayar nunca, ni en días de fiesta ni en días laborales, y así, familiarizándose con el uso, se adquirirá una buena práctica."

El Taller del artista (Museo del Louvre) de Gustave Courbet.
El artista, rodeado de personajes intelectuales, en representación de esa ansia de hermanar la literatura, la filosofía y la música con el arte.

Todo artista debe también ser un buen artesano, debe aprender a utilizar los materiales. Un buen método es a la antigua usanza, elaborar nuestros propios colores y nuestras propias mezclas tal cual como lo hacían en la Edad Media, eso sería a partir de los pigmentos en polvo y aglutinantes. Trabajar así, de manera artesanal, nos permitirá estudiar su composición y comprender cómo reaccionan y de qué manera responden al mezclarse.

El círculo cromático

Uno de los referentes más importantes para el artista es el círculo cromático, esquema basado en los tres colores primarios y sus derivados. Recuerdo que cuando nos pedían este tipo de trabajos en la escuela muy pocos querían hacerlo, a mí me encantaba, en mi mesa y escuchando música me lo pasaba los fines de semana terminando estos ejercicios para la semana entrante.

Para los que recién empiezan en la pintura les aconsejo que realicen el ejercicio de elaborar su propio círculo cromático.

Dividan un círculo en doce porciones.
Tomen sólo tres colores a la acuarela:

• azul claro

• carmín

• amarillo

A partir de los colores primarios que situarán formando un triángulo, traten de obtener los secundarios mezclando los primarios por parejas y los terciarios mezclando un primario con un secundario. Si no se entiende chilflen.

Aquí les muestro un círculo cromático con los tres pilares básicos: los colores primarios [P] que mezclados por parejas dan los colores secundarios [S], que a su vez, mezclados por parejas con los primarios dan los colores terciarios [T].

Este círculo no es otra cosa que una ordenación de los colores.
Y como verán los colores primarios se comportan como los tres ejes fundamentales necesarios para el equilibrio de los colores restantes.

Desde mediados del siglo pasado los tratamientos de pintura ya incorporan las ruedas de color o círculos cromáticos como referencia teórica para los artistas.

Espero que les sirva, otro dato más.

Gabriel Callico -Tatuador

Callico es uruguayo, aparte de haber sido uno de los pioneros del tatuaje en Uruguay (antes de la tv por cable, internet, etc) es un artista que quiso demostrar que no sólo se hacían tatuajes los drogadictos ni los presos, que si tenías deseos de tener un tatuaje en tu cuerpo nadie debía discriminarte por ello. Era tu elección.
Gabriel Callico recorrió algunas partes del mundo mostrando su arte.


"La lucha nunca fue fácil en Uruguay ya que las cabezas se fugan constantemente y nuestra cultura pierde diversidad, de mi generación de tatuadores sólo quedamos dos o tres. Es tentador llevar este oficio a otras tierras donde uno es mejor pago y a veces reconocido..."

Vean este video que él preparó haciendo un retrato de Carlos Gardel.

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